<股票配资网大全>边赏格里格钢琴奏鸣曲Op.7第一乐章，边读其生平创作介绍

请边欣赏格里格《钢琴奏鸣曲 Op.7》第一乐章，边阅读文章哦!

前言

爱德华·格里格（ Grieg，1843年-1907年）是挪威民族乐派的代表人物。他出生于挪威卑尔根的一个商人家庭，并前往德国的莱比锡音乐学院进行学习。

在学习期间，他受到舒曼、门德尔松、肖邦等作曲家音乐风格的影响。回国后，在挪威民族音乐家诺尔德拉克的引导下。

他开始研究挪威民族音乐，将其与欧洲浪漫主义音乐相结合，继承和发扬挪威音乐，并创作了许多优秀的作品。

格里格的代表作品包括组曲《培尔·金特》、钢琴曲集《钢琴抒情小品》、钢琴组曲《民间生活场景 Op. 19》等。

在他的创作生涯中，他只创作了一部钢琴奏鸣曲《钢琴奏鸣曲 Op. 7》，这部作品创作于1865年。

这部作品既有德奥音乐风格的特点，又融入了挪威民族音乐的元素。该作品共分为4个乐章。

格里格 《钢琴奏鸣曲 Op. 7》第一乐章本体分析

《钢琴奏鸣曲 Op. 7》的第一乐章的曲式结构为奏鸣曲 式，分为呈示部、展开部、再现部、尾声四个部分，具体 结构如下图所示。

( 一) 呈示部

呈示部的主部主题以弱力度进入，左手采用分解和弦 织体，从主属布局的和声上和十六分音符的密集节奏型上 来看具有动力性。右手主题句子绵长，气息宽广，起伏很 大，仿佛在向我们展现挪威高原山地风光画面。

在《爱德华·格里格钢琴奏鸣曲 Op. 7》第一乐章中，经过左右手琶音的交替，力度逐渐加强，主部主题以坚定有力的双手八度再次出现。

随后通过半音模进的手法，力度和情绪逐渐上涨，在双手齐奏柱式和弦的部分达到最高点，然后逐渐回落进入连接部。

连接部的旋律具有格里格作品的特点，将旋律分割为两小节的短句。这种作曲方式借鉴自挪威民歌，短小的动机不断模进和重复叙述，为副部主题进行铺垫。

除了短句，还使用了持续音的运用。通过在低音中持续延长音符来模仿挪威的民间乐器哈丹格尔。

哈丹格尔提琴具有共鸣弦，演奏时可以产生独特的共鸣音响。格里格将这种特点应用到钢琴作品中，体现在持续音的运用上。

格里格主要在主、属、下属三个音上使用单声部持续音，其中的单声部持续音建立在属音上。

在《爱德华·格里格钢琴奏鸣曲 Op. 7》第一乐章中，进入副部主题后，左手的织体再次变为具有动力性的十六分音符节奏型的分解和弦。然而，在主题旋律和力度上，副部主题要比主部主题更为柔和、平缓。

副部主题的调性从原本的e小调转到关系大调G大调，丰富了调性色彩。这种转调给作品带来了新的情感和音乐色彩，为听众呈现了一种更加明亮和欢快的氛围。

( 二) 展开部

在《爱德华·格里格钢琴奏鸣曲 Op. 7》第一乐章的展开部，第一部分从呈示部主部主题发展而来。

在这里调性转变为E大调，并采用了模进手法和不同的伴奏织体。通过力度的变化，音乐呈现出更多的张力，为第二部分的情绪变化做铺垫。

第二部分则从原来的2/4拍变为6/8拍，并采用了复调织体。在94至105小节中，调性转变为降A小调，然后从106小节开始又回到了e小调。

这种转调和离调使音乐色彩更加丰富，具有浪漫主义时期多元化和声的音乐特点。在第三部分，双手进行震音演奏，并通过力度和速度的变化推动音乐向前发展。

( 三) 再现部和尾声

在《爱德华·格里格钢琴奏鸣曲 Op. 7》第一乐章的再现部中，采用了减缩再现的结构，整体上缩小了规模，并且与呈示部基本一致。

最后是一个推上高潮的尾声，首先在速度上加快，节奏型也富有动力性。尾声的和声色彩变化非常丰富且频繁。

展现了格里格所运用的挪威民族音乐特征的集大成，包括短小动机的模进和重复，以及低音持续音的运用。

在尾声的部分，可以观察到第216至223小节，双手快速交替演奏的半音化进行，同时左手保持低音，通过短小片段的重复和模进推动音乐向高潮发展，最后以强奏的柱式和弦结束。

演奏版本比较分析

可以看出在三个演奏版本中，伊娃·纳达尔的演奏速度最慢，而阿利西德·拉罗查和埃纳尔·斯汀·诺克伯格的演奏速度相近。

但拉罗查在个别段落稍微快一些，这首钢琴奏鸣曲的谱面标注的速度是中庸的快板，三个演奏版本的速度都在标记速度的范围内。

在细节方面观察，拉罗查和诺克伯格的演奏版本在速度上比较均匀，而纳达尔的处理相对自由，她会在很多地方加入渐慢渐快的处理。

在呈示部主部进入时，拉罗查和纳达尔都有一个放慢的处理，但拉罗查的慢速处理仅限于第1小节。

而纳达尔则延续到第6小节，拉宽了乐句的气息，并从第7小节开始逐渐加快至原速度。在13至16小节的所有八度齐奏部分都进行了放慢的处理，并在第16小节进行渐慢，这些速度处理是其他两个演奏版本中没有的。

在钢琴奏鸣曲的呈示部的连接部和副部中，伊娃·纳达尔仍然保持着相对自由的处理方式，在稳定的节奏基础上进行松紧自如的处理。

在第65、66和80小节边赏格里格钢琴奏鸣曲Op.7第一乐章，边读其生平创作介绍，谱面上标明了速度的变化，三位演奏者都遵循了谱面的指示，但诺克伯格在第80小节需要渐慢的部分做了一个加速之后再渐慢的处理。

在展开部中，三位演奏者在速度的处理上都比较自由，会适当进行渐慢或加速的处理，以丰富音乐的表现力，其中伊娃·纳达尔的处理相对更夸张一些。

在再现部中，三位演奏者的速度处理大致上与呈示部时的处理一致。尾声部分，谱面上的标注从中庸的快板变为稍快的快板，使音乐更具动力性，并将情绪推向最高潮，直至结束。

在三个演奏版本中，速度最慢的是伊娃的版本，并且在个别乐句中（如209至215小节）会进行放慢的处理。

而拉罗查和诺克伯格的版本则基本上保持较快的速度一直到结束奏鸣曲式结构图示，只在第225小节稍微加快了一点速度。

对作品速度的演奏启示

音乐的速度是其重要的元素之一，它在表现音乐形态和描绘音乐性格方面起着关键作用。

从三位演奏者的版本中可以看出，整体速度应该在谱面标识的速度范围内进行把控和解读。

不同的速度演奏会产生不同的音响效果，而拉罗查和诺克伯格的演奏版本在动力性方面明显强于伊娃的版本。

个人认为拉罗查的速度选择（110）和诺克伯格的速度选择（105）更为适当。考虑到创作这部作品时挪威的动荡局势。

整个乐章需要表达格里格激情澎湃、坚定的爱国情感，第一乐章整体上应该具有宏大、激进且充满动力的气势。

除了整体速度的掌握外，乐谱上的自由速度记号需要在不破坏整体速度框架的前提下进行个人风格的自由演绎。

演奏者可以根据自己对音乐的理解，在不破坏作品整体平衡的前提下，对一些较长的乐句进行速度上的松紧变化。在快速且富有律动感的音乐中，过多的速度变化可能会削弱音乐的整体效果。

对作品力度的演奏启示

音响的强弱对比也是音乐中的重要因素，它对音乐的表现力起着关键作用。从乐谱上可以看出。

格里格的这首作品具有强烈的戏剧性冲突和明显的强弱对比，第一乐章既有坚定、宏大的气势，又有柔美、抒情的一面，展现了格里格作品的多样性。

在三位演奏者的版本中，拉罗查和伊娃的演奏版本相比较，戏剧性冲突更为强烈，而诺克伯格的版本则相对平淡一些。

在演奏实践中，对于这首曲子的力度处理，可以夸张一些强弱对比，特别是在演奏强度为ff时，要保持手部的支撑，使力量集中而不分散，以使声音具有爆发力。

而在连接部和副部主题处，力度要适度减弱，但同时要保持清晰的音色，尤其副部主题的旋律应该被凸显出来，具有歌唱性。

演奏这首曲子除了需要强烈的戏剧性冲突外，还需要进行科学合理的力度布局。正如之前提到的，在重复的旋律片段中，相同的力度记号可以在重复的过程中展现层次感。

在第37至44小节中，通过重复模进后逐渐增强力度，达到情绪高潮点。因此，在第二次模进时，可以适当增强力度。

对于长乐句的力度处理，可以根据呼吸的配合适当进行变化，使音乐表现更具力量和表现力。

另外，拉罗查的演奏版本中对节奏重音的处理非常清晰，更能凸显出作品独具挪威特色的节奏特征，增强了韵律感。这一点在实际的演奏练习中也值得参考。

作者观点

格里格的《钢琴奏鸣曲 Op. 7》第一乐章是一首具有戏剧性冲突和多样性的作品。演奏者需要在速度的把握上保持谱面标识的范围，并在此基础上展现个人的解读和风格。此外，力度的处理也是关键，要注意强弱对比的夸张，同时在重复的过程中展现层次感。最后，节奏重音的清晰处理可以凸显作品的独特特色和韵律感。